El rayo verde

La nominación al Oscar como Mejor Pleícula Extranjera para la película peruana “La teta asustada” ha originado un nuevo debate, y es que la película de la realizadora Claudia Llosa no ha sido entendida en toda su plenitud por el público peruano.

Muchas son las voces que piden el reestreno de la laureada cinta protagonizada por la actriz ayacuchana Magaly Solier, que narra, entre otras cosas, el dolor de toda una generación marcada por la violencia de la época del terrorismo.

¿Debería ser reestrenada La teta asustada? ¿La volverían a ver?

Cerca de las 9 de la mañana, la hermosa Anne Hathaway había anunciado que “The Milk of Sorrow” (nombre gringo de “La teta asustada”) era una de las películas nominadas al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, hecho que dejó el más agradable sabor de boca que los peruanos hayamos sentido en mucho tiempo.

La película protagonizada por Magaly Solier y dirigida por Claudia Llosa se ubica en una terna de ensueño junto a las producciones “El secreto de sus ojos” de Argentina, “La cinta blanca” de Alemania, “Un profeta” de Francia y “Ajami” de Israel. Todas películas de altísimo nivel.

La triste historia de Fausta –encarnada por una monumental Magaly Solier- en el colorido pueblo de Manchay cautivó a muchas audiencias en diferentes lugares alrededor del mundo. Su tono minimalista y lleno de una musicalidad sin precedentes en el cine peruano la ubican como el punto de partida para iniciar el nuevo cine peruano.

¿Qué opinan de su nominación al Oscar? ¿Creen que haya posibilidades de ganar la estatuilla dorada? ¿Cuáles son los logros que la Academia vio en la obra cumbre de Claudia Llosa?   

“Lost” se ha convertido sin lugar a dudas en todo un fenómeno de la cultura popular de nuestros tiempos y, para tristeza y/o alegría de sus fans, la serie estadounidense llega a su sexta y última temporada donde, según revelaron sus creadores, se desarrollará todo un cóctel de respuestas a sus principales enigmas.

¿Quién era Abby? ¿Estuvo con Hurley en el psiquiatra y fue quien le “regaló” el bote a Desmond? ¿Quién solventó la Iniciativa Dharma? ¿La madre de Claire no muere acaso en un accidente allá por la Temporada 3? ¿Porqué Jacob “visita” a todos (Sawyer, Sayid, Jack, Kate, John y a Sun/Jin) en momentos cruciales de sus vidas y no visita a los otros? ¿Cuál es el verdadero papel de Rose y Bernard, ya que estuvieron en todas las temporadas, a diferencia de otros personajes? ¿Cuáles son los poderes de Walt y porqué era tan importante para los otros?

¿Qué enigma quieres que se resuelva? Es el momento de que todas las preguntas que se nos formaron en la cabeza tengan las respuestas en la sexta temporada. El final que vivirás por Terra desde este 09 de febrero.

La entrañable película ochentera. "Encerar, pulir"

 Tiemblo cada vez que escucho de la realización de algún remake en Hollywood. No sé si se trata de un prejuicio, pero la falta de ideas originales en la meca del cine ha generado que se filmen cantidades industriales de nuevas versiones de populares películas con resultados, la mayoría de las veces, lamentables. Ya no se hace ninguna distinción porque puede tratarse de alguna cinta clásica, alguna de Serie B o alguna otra que debió quedar en el olvido. No importa, Hollywood se ha vuelto democrático a la hora de tomar una historia ya conocida para llenar las arcas. 

 Lo que me disgusta de un remake es que usualmente es tomado a la ligera y echa por la borda el espíritu original de una cinta. “Karate Kid”, repito, no es para nada una gran película, pero se la quiere. Debemos esperar hasta junio de este año para ver que tipo de producto ofrece el director Harald Zwart, y si acaso la dupla Jaden Smith-Jackie Chan me hace comer mis palabras y deja en el olvido a Ralph Macchio y Pat Morita.

 Son demasiados los casos de remakes para el olvido que fueron más una ofensa que un homenaje a grandes películas. Es así que vemos una cinta magistral como “Abre los ojos” de Alejandro Amenábar quien debió retorcerse en el piso al ver ese bodrio denominado “Vanilla Sky”. Asia se ha convertido desde hace mucho en fuente inagotable de películas de todos los géneros que goza de la atención de Hollywood para atrapar alguna película taquillera y filmarla en inglés con algún rostro conocido. Así llegan los casos de filmes como “El aro”, “La maldición”, “Aguas oscuras”. No todos los directores tienen la capacidad de un Martin Scorsese quien logró hacer suya una historia como la de los “Infiltrados” que, si bien no llega al nivel de genialidad de la original “Infernal Affairs” (Hong Kong, 2002), alcanza cotas de altísima calidad cinematográfica.

Directores tan geniales como Tim Burton fueron muy criticados por realizar su propia versión de algún clásico con resultados desalentadores. Hasta ahora todos los fans del creador de “El joven manos de tijera” lamentamos que su mirada de “El planeta de los simios” haya sido tan pobre. En su defensa está que trató de reinventar esa saga de ciencia ficción con un guión bastante cambiado, aunque de poco suceso. Parecido es el caso de Gus Van Sant, un realizador magnífico a quien le vino muy mal tocar esa obra maestra de Alfred Hitchcock titulada “Psicosis”.

Este año también se ha anunciado el remake de “Pesadilla en Elm Street”, además están por llegar las nuevas versiones de “Alien” y “Robocop”. Recomiendo esperar estas películas con la menor expectativa. Las decepciones pueden ser muy grandes.

Se acaba el 2009 y con él la finalización de la primera década de este nuevo siglo, motivo por el cual diversos portales especializados en cine empiezan a elaborar la siempre discutible lista de las mejores películas de los últimos 10 años.

Uno de los ránkings más particulares lo publicó el sitio Indie Wire que catalogó a Mullholand Drive, la perturbadora pesadilla de David Lynch, como la mejor cinta de la década, seguida por títulos tan diferentes entre sí como Con ánimo de amar de Wong Kar Wai y El nuevo mundo de Terrence Malick.

Podemos estar de acuerdo o no, pero no podemos negar que David Lynch es uno de los directores más notables de los últimos tiempos pese a que muchos lo tildan de manipulador o incomprensible. Definitivamente todo aquel que no conoce la obra de este realizador estadounidense de 63 años se verá muy perdido si se aventura a ver de frente Mullholand Drive, una película calificada como el descenso a los infiernos de Hollywood de una aspirante a estrella encarnada a la perfección por Naomi Watts.

Con ánimo de amar es una historia filmada con el tino de un verdadero maestro. El hongkonés Wong Kar Wai cuenta la historia del imposible amor de dos personas que estaban destinadas a estar juntas, pero que no contaban con que el momento que les tocaba encontrarse era el incorrecto pues ambos ya tenían sus destinos amorosos definidos.

En la heterogénea lista figuran además directores de los estilos más distintos, es así como vemos aparecer en el cuarto puesto a la reciente cinta del genial Paul Thomas Anderson titulada Petróleo sangriento, con una actuación histórica de Daniel Day-Lewis. En el sexto lugar se encuentra Eterno resplandor de una mente sin recuerdos del francés Michel Gondry, muy aclamada como una de las historias de amor más originales de los últimos tiempos.

La excepcional cinta de Spike Lee, La hora 25, figura en la posición 12 junto a Embriagado de amor, nuevamente de Paul Thomas Anderson. La primera es protagonizada de forma notable por Edward Norton, mientras que en la segunda Adam Sandler realiza la que quizá sea la mejor actuación de su carrera.

También figuran filmes dispares como Zodiac de David Fincher, No es país para viejos de los hermanos Coen, Y tu mamá también del mexicano Alfonso Cuarón, I’m not there de Todd Haynes, WALL-E de la factoría Pixar, Old boy del coreano Chan-wook Park, Virgen a los 40 de Judd Apatow y Memento de Christopher Nolan.

A continuación los 20 primeros lugares, a juicio de la plana mayor de Indie Wire:

1 Mulholland Drive (2001) – David Lynch

2 Con ánimo de amar (2000) – Womg Kar Wai

3 El nuevo mundo (2005) – Terrence Malick

4 Petróleo sangriento (2007) – Paul Thomas Anderson

5 Yi Yi (2000) - Edward Yang

6 Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004) – Michel Gondry

7 Zhantai (2000) - Zhang Ke Jia

8 Syndromes and a Century (2006) - Apichatpong Weerasethakul

9 Zodiac (2007) – David Fincher

10 The Death of Mr. Lazarescu  (2004) - Cristi Puiu

11 Inteligencia artificial (2001) – Steven Spielberg

12 La hora 25 (2002) – Spike Lee

13 Embriagado de amor (2002) – Paul Thomas Anderson

14 Los excéntricos Tenenbaums (2001) – Wes Anderson

15 Antes del atardecer (2004) - Richard Linklater

16 Elogio del amor (2001) - Jean-Luc Godard

17 No es país para viejos (2007) - Joel Coen, Ethan Coen

18 2046 (2004) – Wong Kar Wai

19 Reyes y reina (2004) - Arnaud Desplechin

20 Dogville (2003) - Lars von Trier

Está por acabar un 2009 que nos trajo una serie de películas de buen nivel y donde los blockbusters, como era de esperarse, coparon los multicines dejando fuera interesantes títulos que los espectadores se quedaron con ganas de ver.

Los principales distribuidores no pudieron dejar satisfechos a todos aquellos que deseamos ver algo distinto en el cine y no arriesgaron. Al llegar al final de la temporada, debemos conformarnos con ver ‘2012’ y ‘Luna nueva’ en todos los horarios y en todas las salas, como si no hubieran nuevas propuestas que, estoy seguro, hubieran llevado buena cantidad de público.

Por citar solo algunos títulos, para este año se prometió una y otra vez ‘El matrimonio de Rachel’, la muy buena película de Jonathan Demme que tuvo como protagonista a Anne Hathaway  en el papel de una chica desequilibrada. La actuación de Hathaway es deslumbrante y mereció ser vista por el público peruano, pero nunca llegó.

Situación similar sufrió el drama ‘Frozen River’ de Courtney Hunt, que contó con la memorable actuación de Melissa Leo como una mujer desesperada que se embarca en la misión de hacer pasar inmigrantes ilegales a su país como una forma de obtener dinero fácil. Al igual que Anne Hathaway en ‘El matrimonio…’, Leo fue nominada al Oscar (aunque en la edición 2008) y ni siquiera esto les importó a los distribuidores que cancelaron su estreno que se tenía previsto desde el año pasado.

Ahora que están tan de moda los vampiros, es increíble que una película de este género como ‘Déjame entrar’ no haya llegado a nuestras salas. Se trata de un filme absolutamente fascinante y digno de estudio que hubiera dejado con la boca abierta a más de uno. Una gélida ciudad sueca es el escenario donde un púber abusado por sus compañeros de aula conoce a una niña vampiresa (muy andrógina ella) que le enseñará el amor. Pero como en esta película nada es lo que parece, los espectadores nos iremos enterando poco a poco de la verdadera naturaleza de esta pequeña chupasangre. Hay una escena imperdible en una piscina que debe pasar como la más hermosa que yo haya visto este año.

Si de historias de amor (o desamor) se trata, esperemos que llegue a nuestros cines la singular comedia ‘500 días con Summer’, uno de los guiones más originales de la temporada. La dupla Zoey Deschanel y Joseph Gordon-Levitt dan vida a una pareja cuya vida amorosa podemos ver en su inicio, apogeo y declive.

‘Un lugar donde quedarse’ de Sam Mendes, tampoco llegó a pesar de estar precedida de excelentes críticas. John Krasinski y la Saturday Night Live, Maya Rudolph, deciden escapar (al menos sé que huyo porque amo, diría Cerati) para que su amor no termine.

En cuanto a las películas de animación, si bien pudimos disfrutar de esa obra maestra llamada ‘Up’, jamás pudimos ver la laureada ‘Persépolis’, ni la excepcional ‘Waltz with bashir’, quizá demasiado experimentales para nuestro gusto (a decir de los distribuidores). El maestro Hayao Miyazaki entregó ‘Ponyo en el acantilado’ al mundo, pero aquí ni rastro. Aun así, no perdemos las esperanzas de verlas, cueste lo que cueste.

Se ha estrenado hace algunos días la cinta 2012 del siempre efectivo Roland Emmerich, un director especializado en hacer desaparecer ciudades, desbordar mares y sembrar el pánico con los efectos especiales made in Hollywood como principal arma. ¿Siempre el fin del mundo o alguna invasión alienígena debe empezar en los Estados Unidos?

2012 no marca muchas diferencias con respecto a Día de la Independencia o El día después de mañana (con la que está mucho más emparentada como cine de desastre), los trabajos anteriores de Emmerich, quien aseguró sentirse capaz de “hacer una película de cualquier cosa que se imagine”. Ya se ha hablado hasta el hartazgo que la idea del guión parte del ciclo de finalización del calendario maya que concluye el año que da título a la película, es así como todo debe volver a empezar y… adiós Tierra.

Emmerich se erige con un correcto director de este tipo de cintas, es decir, sin mayores problemas se propone destruir ciudades con toda la parafernalia que la tecnología de punta puede permitir. Impresionantes explosiones, secuencias de mares que arrasan ciudades, calles cuyos suelos se abren para devorar autos y personas. Hasta allí todos pueden estar sumamente entretenidos, pero luego uno se da cuenta que no queda nada más.

Están los personajes estereotipados y muy patriotas americanos que hacen lo imposible por rescatar a sus seres amados del cataclismo. En este caso tal rol recayó en el muy buen actor que es John Cusack, quien pone el temple necesario para que su personaje no caiga en el ridículo.

2012 es un éxito mundial en las boleterías, un monstruo de la taquilla que no cree en las opiniones de los diversos críticos de cine que han destripado a la película por su “pobre” propuesta y hasta han llamado “cobarde” a Emmerich por no ser más arriesgado –en la película se observa la destrucción del Vaticano, pero no la de algún símbolo musulmán-   quien no quiso meterse en problemas de índole político. 

No estoy en contra de las películas que se hacen en la llamada meca del cine, mucho menos critico a las personas que van a las salas a tratar de entretenerse, porque, a fin de cuentas, uno de los fines de sentarse a ver una cinta frente a la pantalla grande es olvidarse de los problemas y entrar a un nuevo mundo. El problema es cuando se piensa que no hay vida más allá de Hollywood.

Hace unas semanas estuvo en cartelera una película magnífica titulada Sector 9 que daba cuenta de la llegada de una civilización de extraterrestres. Lo curioso de la cinta era que el aterrizaje de estos alienígenas no se daba en Nueva York o Los Ángeles, sino en Johannesburgo, generándose así una fascinante metáfora sobre la exclusión social en estos tiempos. Cine de entretenimiento de primer nivel llegado de Sudáfrica (Peter Jackson, el padre de El Señor de los Anillos estuvo como productor), que nos permite darnos cuenta que hay muchas propuestas, sólo hay que buscar aunque no la mayoría de las veces en las salas comerciales. 

A propósito de esto, está por empezar el Festival de Cine Al Este de Lima, con una selección de películas de Europa Oriental en diferentes salas de nuestra capital. Es la oportunidad de ver cintas llegadas de Rumania, Polonia, Eslovenia, Ucrania, entre otros países con propuestas muy interesantes. Es el momento de quitarnos esos viejos prejuicios y pensar que una película de Moldavia puede ser tan entretenida como una de Hollywood. Quizá hasta Roland Emmerich pueda aprender a tener ideas originales si ve una de estas.

¿Te imaginas a Neo de The Matrix con la cara de Will Smith?

Leí hace poco una interesante nota en Cinencuentro en la que un joven Kurt Russell se sometía a audiciones para tentar el papel de Han Solo en la saga de Star Wars. Que me disculpe el buen Kurt (a quien vimos hace poco en una actuación magistral como el loco maldito Stuntman Mike en “Death Proof” de Quentin Tarantino), pero es casi imposible imaginar al cínico Solo con un rostro que no sea el de Harrison Ford.

Han Solo se convirtió en un personaje único dentro de la saga galáctica, y en uno de los galanes favoritos dentro de la historia del cine, no sólo por su conducta sarcástica y su pose de pendenciero, sino por su perfil de antihéroe siempre llevado por la codicia. Es memorable el momento en “El Imperio Contrataca” cuando Solo es llevado por los hombres de Darth Vader a la cámara de congelación ante la mirada desesperada de la Princesa Leia quien, dejando atrás su orgullo, se le acerca y le dice: “¡Te amo!”, a lo que él responde sin mayores miramientos: “¡Lo sé!”. Genial.

Cuenta el director George Lucas que esa respuesta no estaba en el guión y que fue una improvisación de Ford atendiendo al perfil de un personaje que supo hacer suyo. A partir de entonces la vida de este actor daría un giro de 180 grados para convertirse en protagonista de grandes títulos como “Blade Runner” o la saga de “Indiana Jones”.

Existen actores predestinados a inmortalizar papeles y el cine no sería el mismo sin esos rostros. Es muy conocida la historia de Francis Ford Coppola quien peleó con todo para que el papel de Vito Corleone en la saga de “El Padrino” sea interpretado por Marlon Brando, muy resistido por los productores debido a su conflictivo modo de ser. Warren Beatty, Jack Nicholson y Dustin Hoffman (los tres, monumentales intérpretes) eran los candidatos de fuerza para hacer del jefe de la mafia, pero Coppola quedó maravillado con la posibilidad de dirigir a su admirado Brando. Al final, Vito Corleone llevó la cara, gestos y voz ronca de uno de los más grandes actores de la historia del cine. El resultado, como era de esperarse, fue el ya conocido. Los amantes del cine damos gracias a Marlon Brando y a Francis Ford Coppola. Era una oferta que no se podía rehusar.

Si hablamos de personajes que pasaron a la posteridad uno de los más gráficos sería el de “Forrest Gump”, la efectiva película de Robert Zemeckis que contó con la actuación de Tom Hanks, un intérprete que goza de los defensores más acérrimos, así como de los detractores más recalcitrantes. De todos modos, la carrera interminable de este personaje retardado y de inocente corazón encontró cobijo en la fisonomía de Hanks, y resulta increíble que actores tan disímiles como Bill Murray o Chevy Chase hayan hecho audiciones para este mismo rol. Algo impensado. Por fortuna, un colosal Murray regresaría al primer plano de la mano de directores como Wes Anderson (Rushmore), Sofía Coppola (Lost in Translation) y Jim Jarmusch (Broken Flowers).  

Cuentan que el transgresor Quentin Tarantino movió mar, cielo y tierra para que John Travolta le diera vida a su legendario personaje Vincent Vega en la obra maestra titulada “Pulp Fiction”, una vez que Michael Madsen rechazara el rol para actuar en otro filme. Los productores de la película no estuvieron muy convencidos y sugirieron nombres como los de Mel Gibson, Kevin Costner o el mismísimo Tom Hanks. Incluso el propio Travolta no estuvo muy seguro de actuar allí, pues la película le parecía muy violenta, pero finalmente Tarantino lo convenció y le entregó al cine un Travolta transformado en un gran actor.

Pasar de Travolta a Hanks, o de Brando a Nicholson no parecería ser tan descabellado sino existiera la leyenda en torno a los deseos de Stanley Kubrick de entregarle el papel protagónico de su película “Eyes wide shut” nada menos que a ¡Woody Allen! Como se recordará, este filme de culto cuenta con la participación de Tom Cruise y Nicole Kidman (en aquel entonces eran pareja) y las escenas de sexo juegan un rol importantísimo. Kubrick tenía la idea de esta cinta desde hace varios años y quiso convencer a su amigo Allen de actuar para él, sin lograr que se concrete tal deseo. Lo único en común que tiene el maestro Woody con Tom Cruise es el tamaño, aunque no podemos ser mezquinos en reconocer el excelente trabajo de Cruise en este thriller erótico, último trabajo de ese dios llamado Stanley Kubrick.

Y los ejemplos abundan: A Will Smith le fue ofrecido el papel de Neo en el inicio de “The Matrix”, pero el actor ya se había comprometido a rodar “Wild Wild West”, por eso los hermanos Larry y Andy Wachowski recurrieron a otras opciones como la de Keanu Reeves, quien finalmente inmortalizó a este personaje, ícono de la ciencia ficción.

Es ocioso hablar de suposiciones, pero es inevitable que en nuestras mentes se ubiquen caras diferentes en los papeles de esas películas que nos cambiaron la vida cuando nos enteramos de estos casos. A veces nos preguntamos si otros intérpretes hubieran cambiado tal o cual película para bien o para mal. Personalmente no me hago mayores problemas, en el cine como en la vida se tomaron decisiones y por algo habrán sido. Aunque, ¿qué hubiera pasado si?…

Los vampiros vuelven a estar de moda. Tras la aparición en la escena literaria de la escritora Stephenie Meyer, miles de adolescentes en el mundo entero cayeron rendidos ante la historia de amor entre un enigmático bebedor de sangre y una introvertida chica. La saga de “Crepúsculo” supo reinventar la historia de los siempre atractivos vampiros, a pesar de que los detractores acusan a la autora estadounidense de ser demasiado liviana, cursi y de haber quitado uno de los rasgos más característicos de estos amos de la noche: el horror.

Si nos remontamos a épocas pasadas, es inevitable hablar del Drácula de Bram Stoker, personaje que ha llegado al cine en innumerables ocasiones hasta convertirse en uno de los íconos del terror. En 1922 Max Schreck interpretó a “Nosferatu”, la mítica cinta de  F.W. Murnau., que contaba la historia de este cazador nocturno que debía chupar la sangre de las personas para mantenerse con vida. Se dice que Schreck era en realidad un demente que se creía Drácula y esto se puede graficar de forma muy peculiar en la genial cinta “La Sombra del Vampiro” (2000), cuyo rol principal recayó en un asombroso Willem Dafoe.

En la década de los 30’s le llegó el turno al rumano Béla Lugosi, un actor de culto que fue la cara de Drácula durante muchos años y que alcanzó gran popularidad hasta quedar en la ruina, volverse adicto a la morfina, participar en mediocres películas de serie B y terminar creyéndose el vampiro de la noche. Tim Burton le rindió tributo en la colosal cinta “Ed Wood” (1994), donde Martin Landau dio cátedra de actuación al interpretar al demente Lugosi.

Pasaron algunos años y muchas malas películas para que los vampiros regresaran al primer plano, hecho que se dio con la revisión que Francis Ford Coppola hizo de la novela de Bram Stoker al filmar su propio “Drácula” en 1992 con una soberbia actuación de Gary Oldman en el papel del hombre que se sintió traicionado por Dios al perder a la mujer de su vida. Con muchos momentos de verdadero terror, el director de la saga de “El Padrino” se dio maña para narrar una imponente historia de amor.

Dos años más tarde llegó la adaptación de la célebre novela de Anne Rice, “Entrevista con el Vampiro”, donde una galería de seductores amantes de los glóbulos rojos dejaron extasiada a la platea. Es así como Tom Cruise, Brad Pitt y Antonio Banderas buscaban darle el toque de galantería que estos personajes, a menudo presentados como poco agraciados, carecían.

Estas pueden ser las grandes influencias que ha tenido Meyer para crear esta galería de seres fantásticos encarnados por el clan Cullen, lo que supone un fenómeno que ha encandilado, sobre todo, a las adolescentes alrededor del planeta. Robert Pattinson, un vampiro enigmático se encuentra enamorado de la hermosa Bella Swan (Kristen Stewart), y en medio aparecen los hombres lobo para enfrentarse a sus eternos enemigos los vampiros.

Pero no sólo el cine ha sido tomado por estas criaturas que se mantienen hermosas y jóvenes gracias a la sangre de los demás.”Monnlight”, la celebrada “True Blood” o “Diarios de Vampiros”, entre muchas otras, son las series televisivas que se han dejado seducir por el encanto de los parientes de Drácula. La tez pálida y la comodidad de la noche nos ponen en alerta, pero los vampiros no sólo quieren sangre. Buscan algo más.

La nueva película de Quentin Tarantino llegó a nuestros cines tras una ansiosa espera. “Bastardos sin gloria” es el título de esta locura del director estadounidense que cuenta la historia de un grupo de combatientes judíos que se insertan en la Alemania nazi el Tercer Reich para eliminar, de la forma más sangrienta, a sus verdugos.

Amado y odiado en partes iguales, Tarantino es uno de mis directores favoritos y uno de los realizadores más influyentes de la actualidad. Sus películas son una suerte de absurdo, violencia, musicalidad y fuerza que muy pocos cineastas tienen en la actualidad. Pero quizá lo que más lo describe es esa apabullante pasión por el cine.

Y es que Tarantino no necesitó ir a las aulas para ponerse tras una cámara y contar historias. Se trata de un enfermo por las películas, un consumidor compulsivo de todo tipo de géneros que han significado su mejor escuela. Desde el cine negro, pasando por las cintas Serie B, películas de kung fu o las teleseries de los 70’s, Quentin ha logrado formar un universo alucinado que permite crear los personajes y las situaciones más perturbadoras que uno se pueda imaginar.

Un amante del cine de John Woo, Martin Scorsese, Sam Fuller, Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone y la tropa francesa de la Nouvelle Vague (con su dios Jean-Luc Godard a la cabeza), tenía que aparecer en escena con un estilo propio, muy complicado de encasillar y que más imitadores está teniendo alrededor del planeta.

Tarantino saltó a la fama mundial por su ópera prima: “Reservoir Dogs” (1992), la historia del atraco a una joyería por parte de un grupo de fascinantes asaltantes. Lo curioso es que el asalto jamás es visto y los espectadores sólo nos lo podemos imaginar por las versiones que tienen cada uno de los criminales en la clásica técnica de la alteración del orden cronológico entre escena y escena que tiene el cine de este brutal realizador. Tras escribir los guiones de cotizadas películas como “True Romance” y  “Natural Born Killers” (guión que fue modificado por Oliver Stone llegando a generar una bronca insalvable entre ambos), la vida del cineasta nacido en Tenesee en 1963 ya no sería la misma.

Pero la consagración definitiva se dio con su obra maestra “Pulp Fiction” (1994), un filme coral sobre los avatares de un grupo de mafiosos en una ciudad  tan violenta y heterogénea como Los Angeles. Se trata de una película inclasificable, donde el humor negro, la violencia y los diálogos memorables dan rienda suelta a muchas de las escenas más recordadas de los últimos tiempos. La película, además de ganar la Palma de Oro en Cannes ese año, recaudó más de 200 millones de dólares en taquilla. Luego siguieron “Four Rooms” (cinta grupal filmada en 1995 que cuenta con su formidable episodio: “The Man From Hollywood”), la maravillosa “Jackie Brown” (1997), los dos magistrales volúmenes de “Kill Bill” (2003-004) y la incomprendida “Death Proof” (2007).  

Los parlamentos son un caso aparte en su cine. Dos personajes pueden estar hablando del tema más intrascendente (en qué se inspiró Madonna para escribir Like a Virgin, la diferencia entre las medidas de las hamburguesas de Estados Unidos y Holanda) mientras está por producirse una escena antológica que nada tiene que ver con lo que estaban debatiendo. Todo esto al ritmo de una banda sonora imponente que puede ser la gran metáfora de su obra: George Baker, The Mavericks, Chuck Berry, Leonard Cohen, Charles Bernstein, es decir, sonidos varios. El cine ecléctico por excelencia.

El color rojo de la sangre nunca se ve tan luminoso como en sus filmes. Este fetichista de pies no oculta nunca sus influencias, las cita una y otra vez y no le importa si le dicen que se las ha copiado. Le gusta homenajear a sus grandes maestros y jamás traiciona su esencia. Hace cine por pasión y por convicción, además seguramente no sabe hacer otra cosa.

Ranking personal

Hace unas semanas el portal Hoycinema.com realizó un sondeo que determinó que Vincent Vega (John Travolta en “Pulp Fiction”) era el mejor personaje del universo Tarantino, lo que da pie a un ranking personal con lo mejor de su cine, que espero que ustedes también puedan dar a conocer:

Mejor película: Pulp Fiction.

Mejor personaje: Beatrix Kiddo (Kill Bill)

Mejor escena: El baile entre Travolta y Uma Thurman en Pulp Fiction y el baile con cortada de oreja del Sr. Rubio (Michael Madsen) en Reservoir Dogs

Mejor canción: Little Green Bag de George Baker en Reservoir Dogs

Mejor frase: “Clark Kent es la crítica de Superman acerca de toda la raza humana” Bill (David Carradine) en Kill Bill